SALÓN DE ENTRETIEMPO

El rayo verde

2011-10-28T00:11:00.000-07:00

"Quien llegue a ver el Rayo Verde será capaz de ver en el corazón de las personas y en el suyo propio y conocer el amor Verdadero"

Nouvelle Vague: denominación que la crítica utilizó para designar un grupo de cineastas franceses surgidos a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés y americano imponían hasta ese momento y, postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también la libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Apostaron por films más realistas y cotidianos de bajo presupuesto y pretensión comercial.

¿Es la Nouvelle Vague una verdadera revolución cinematográfica sin la que es posible entender el cine posterior, o se trata más bien de otro bautismo falso, el enésimo empleo del comercial término "nueva ola" en diversas épocas y artes varios?. Muchos piensan en la sobrevaloración del cine francés de esa época y aceptan para sí la idea de que la llamada "Nouvelle Vague"" no es más que otro capricho de ciertos hijos de papá snobs por hacer cine de una forma diferente (pues menuda oroginalidad); y este término es usado por ciertos pedantes pseudointelectuales que cuando nombran "Los 400 golpes" de Truffaut exigen que te pongas de rodillas y alabes su increible sapiencia cinematográfica. ¿Vale todo en la experimentación con el lenguaje cinematográfico?

Tratemos de arrojar algo de luz al respecto. Como ya sabeis, yo no me pongo nunca en ningún extremo, puedo presumir siempre de una cierta objetividad, y citaré por lo tanto algunos directores y títulos aislados para dar a entender, en mi opinión, lo que es y no es truco y verdad en la famosa nueva ola francesa cinematográfica.

Truffaut, Rohmer, Godard... todo el mundo coincide en situar a "Los 400 golpes" como el pistoletazo de salida de esta corriente artística, y otros tantos no se cansan de adorar a Godard como su verdadero gurú, lo cual aderezado con su declarado y demostrado activismo político al lado del Partido Comunista y de la revolución cultural China, hacen los mimbres adecuados para convertirlo en poco menos que un Dios particular. "Al final de la escapada" tiene una frescura y un estilo narrativo novedoso que no podemos obviar, pero algunos de sus films posteriores como "Vivir su vida" , "Banda aparte" o "Pierrot el loco", a pesar de innovar grandilocuentemente con las técnicas cinematográficas (racords a destiempo, uso anárquico del sonido y música, encuadres diversos e imposibles, técnicas narrativas varias y mezcladas...); al verlo todo en conjunto... carece de sentido. Las películas son un bloque, una idea preconcebida, y cuando Godard acaba por montar la obra, nos encontramos ante una insidiosa amalgama de tomas e imagenes inanimadas cuya historia está desmembrada, perdiendo así todo el interés. Siempre diré, no obstante, que sus temas filosóficos, políticos y existenciales son sublimes. Godard es un ensayista, un poeta, un filósofo, pero nunca será un director de cine. Lo siento mucho por algunos.

Y Rohmer? me dije. Busqué en internet... foros, filmografía, bigrafía... Rohmer clasifica sus películas en series. Seis de ellas están encuadradas en lo que él llama "Cuentos morales y proverbios". He visto cuatro: "La coleccionista", "Pauline en la playa", "El rayo verde" y "Mi noche con Maud". Otra serie es "Cuentos" y ahí he tenido la fortuna de ver "Cuento de invierno". No analizaré cada uno de estos títulos aparte porque necesitaría un post para cada uno y me quedaría corto. Lo cierto es que el estilo narrativo y estético de Rohmer sí se solidifica en cada film perfectamente. Su naturalidad, sin perder originaliad, su sencillez y belleza sí encuadran perfectamente sus películas. Sus guiones son existencialistas e intimistas y se asientan perfectamente y su forma de rodar es perfectamente reconocible: tomas cercanas en primera persona (a veces parecen más entrevistas y disertaciones personales o ensayos), uso del color excepcional y bellísimo, fotografía excelente y cuando la cámara se mueve lo hace con sentido y ningún movimiento sobra ni es en falso...

Por supuesto, los temas expuestos son los mismos que los de sus contemporáneos:

Mi noche con Maud: un intelectual cristiano entre el engaño propio y los remordimientos, lucha contra sí mismo y su esencia, el deseo, lo natural, lo divino, las mujeres, el arrepentimiento, sus diálogos con su amigo filósofo comunista, la sociedad, la política, surge el Pascal matemático y religioso...
La coleccionista: dos snobs (en el buen sentido de la palabra) y una joven y preciosa chica comparten una agradable casa de verano en el campo... la belleza, Literatura, el sexo, jugar con las personas, ¿es mejor la soledad intelectual fuera de un mundo ignorante e hipócrita o somos esencialmente seres sociales?
El rayo verde: film más intimista que trata hechos mas cotidianos y bajos (llamémosle así)... la soledad, la incomprensión, la búsqueda de la verdad, del amor propio...
Cuento de invierno: fábula exquisita de la búsqueda del amor verdadero...

La diferencia estriba en que con Rohmer, estos temas, LOS TEMAS, pasan de la Literatura al Cine de manera existosa llegando los filmes a buen puerto. Todo casa de una forma preciosa como en una complicada fórmula matemática que al final es resoluble.

Las películas de Rohmer me parecen un ejrcicio de sinceridad encomiables, poseen una naturalidad y certeza absorventes. Una valentía al hacer cine que me ha estremecido. Rohmer filma la vida misma sin artificios ni engaños (que aprendan otros). Nosotros vivimos sus películas.

En conclusión, abajo con la generalidad del término Nouvelle Vague, odio la sempiterna pedanteriá intelectual francesa. Honestamente, me quedo con Eric Rohmer.

Usted tiene dos cosas que perder: la verdad y el bien, y dos cosas que comprometer: su razón y su voluntad, su conocimiento y su bienaventuranza; y su naturaleza posee dos cosas de las que debe huir: el error y la miseria. Su razón no está más dañada, eligiendo la una o la otra, puesto que es necesario elegir. He aquí un punto vacío. ¿Pero su bienaventuranza? Vamos a pesar la ganancia y la pérdida, eligiendo cruz (de cara o cruz) para el hecho de que Dios existe. Estimemos estos dos casos: si usted gana, usted gana todo; si usted pierde, usted no pierde nada. Apueste usted que Él existe, sin titubear.

Blaise Pascal (1670)

Las invasiones bárbaras

2011-09-12T16:00:00.000-07:00

La razón que me lleva a escribir en el blog un año después, espero no volver a dejarlo mucho tiempo... es una cinta canadiense del 2003: "Las invasiones bárbaras", óscar a la mejor película extranjera dicho año. Ya había oído hablar de ella y hace unos días me decidí a verla... En fin, ¿por dónde empezar?

Si me dijeran de entrada que intente imaginar una película que trata de encontrar respuestas y en la que tengan buena cabida temas tan interesantes y dispares como la decadencia económica y ética de la sociedad americana (del mundo occidental por extensión), la Historia, la revolución cultural, la política, las relaciones personales y familiares, la amistad, la fidelidad, el amor, las drogas, la muerte, ¿cómo vivir?... el sentido de todo... le diría que es un loco pretencioso o peor: un incorregible con demasiado tiempo libre buscando infructuosamente respuestas inexistentes. ¿O no?

Las invasiones bárbaras no trata de buscar esas soluciones, ni de hacer demasiados juicios morales al respecto (ya dije en más de una ocasión que dicho cometido es difícil, si no imposible), pero nos retrata una situación lo bastante idónea como para disfrutar de unos pensamientos y diálogos que disertan sobre todo ello, quizás de una manera muy resumida en ocasiones (no hay más remedio) o pasando de puntillas sobre otros tantos temas lo suficientemente densos como para merecer ese trato. Esa, estoy seguro, es una razón que muchos usarán para decir que es una película a medias. No obstante, la frescura y valentía de la cinta corrigen en gran medida tales carencias.

Como buena película franco-canadiense, hereda algo de sus ilustrísimos antepasados... frescura y realismo de goddard, intimismo de truffaut y sobre todo, ese toque made in eric rohmer sobre las difíles y, en ocasiones, tormentosas relaciones familiares. Sí, ya lo sé, es decir mucho para una sola obra... pero hacía tiempo que no me encontraba frente a frente con algo tan verídico y real que no parece cine, algo que te saca de las entrañas tales sensaciones tan familiares, para acabar diciendo una frase tan pueril y tópica como "la vida es así". Joder, ¡qué complicado y fácil al mismo tiempo! ¡qué obvio y aún así hermoso!

Ya habréis observado que no he dicho ni una palabra sobre la trama.. ¿acaso importa?

¡Solo importa que la veáis y disfrutéis como siempre!

"Al contrario de lo que mucha gente piensa el siglo XX no ha sido particularmente sangriento. Las guerras han generado 100 millones de muertos. Eso es una cifra generalmente aceptada. Añade 10 millones más para el Gulag Ruso. La mafia China, no lo sabremos nunca, pero digamos un millón. Eso nos da 130 o 135 millones de muertos. No es muy impresionante si pensamos que en el siglo XVI los españole y los portugueses han conseguido, sin cámara de gas, ni bombas hacer desaparecer 150 millones de indígenas de América Latina. Es mucho trabajo hermana, 150 Millones de personas a la hacha. Diríamos que tenían el apoyo de su iglesia, pero igualmente es un buen trabajo. A tal punto, que en América del Norte; los holandeses, los ingleses, los franceses y eventualmente los americanos se inspiraron y degollaron a su vez a otros 50 millones. 200 millones de muertos en total. La mayor masacre de la humanidad ocurrió aquí, alrededor nuestro. Y sin el mínimo museo del Holocausto. La historia de la Humanidad, hermana, es una historia de horrores"

Las invasiones bárbaras

Cine de los setenta

2010-04-20T03:57:00.000-07:00

Siempre habíamos elegido las películas en torno a una cierta temática pero nunca las habíamos seleccionado atendiendo a la época, así que pensando un poco decidimos que los convulsos años setenta (al igual que en la música) produjeron inolvidables filmes y supusieron, probablemente, la época más fructífera e innovadora en cuanto al séptimo arte se refiere.

Creo que la selección es bastante recomendable y el lógico énfasis que cada presentador pondrá en su particular elección producirán un estupendo cierre a nuestro amado club este año. Pinchad en el cartel para ver mejor las fechas. ¡Animaros!

Rollerball

2010-04-04T06:09:00.000-07:00

He recibido por e-mail una petición de mi querido y admirado Pedro Jesús sobre si quería publicarle la siguiente entrada referente a una película que a mí también , amigo Peter, me encanta y fascina: "Rollerball".
Así que, no solo no me importa, sino que me llega de orgullo y satisfacción publicar tu artículo.
Y lo haré con cualquier contribución que hagáis con las siguientes condiciones: seáis amigo, lector del blog y tengáis la sapiencia propia de sociólogos como Peter. Un saludo hermano y ¡Gracias!

Ayer vi una película de 1975 que me impacto y me dejo una sensación de desasosiego. Era Rollerball, una peli que giraba en torno a un juego imaginario donde se enfrentaban dos equipos cada uno de los cuales contaba con jugadores sobre patines y en moto y tenían que meter una bola de acero en la "portería" del equipo rival que era una especie de cono con un campo magnético que atraía la bola cuando entraba en su campo de acción. La liga era internacional y en ella se enfrentaban equipos de grandes ciudades del mundo controlados por grandes corporaciones mundiales como Houston, Madrid, Tokio y Nueva York.

El juego en principio tenia sus reglas aunque era tremendamente sangriento, pero a medida que se acercan a la final la reglas comienzan a cambiar. Hasta aquí todo normal. Pero bajo este juego del futuro se esconde una nueva forma de organización mundial tanto a nivel económico y nivel social. Un mundo dividido socialmente entre ejecutivos y no ejecutivos donde estos últimos solo pueden elegir entre ser esclavos obedientes teniendo todas sus comodidades materiales cubiertas o la muerte. La gran corporación lo controla todo: energía, transportes, vivienda, mercado, etc. Rollerball es una película de gladiadores del siglo XXI donde los luchadores son los jugadores y los emperadores son los ejecutivos que deciden cuando viven y cuando deben morir.

Es una historia de esclavitud moderna donde se clasifica a las personas, cuyos aspectos de su vida son todos controlados. A imagen de los regímenes dictatoriales de la historia el acceso a la información esta restringido para evitar que se propaguen teorías redentoras y por supuesto no se puede conseguir información sobre quien son los gobernantes y como llegaron al poder. Una sociedad en la que los hombres viven más como animales que como personas. La supervivencia es cosa de obediencia y trabajo e incluso el derecho de pernada esta vigente. Así le ocurre a Jonathan, el protagonista, que ve como su mujer es reclamada por un ejecutivo y tiene que ceder a sus pretensiones.

Desgraciadamente el desarrollo de los acontecimientos desde 1975 a la actualidad nos acerca más al mundo imaginado por Norman Jewison de lo deseable: los estados pierden fuerza ante los intereses de las multinacionales, los ejecutivos de las corporaciones a veces tienen más poder que los propios politicos (Florentino, Botín...), la capacidad de tener un sueño placentero esta supeditado a una pastilla y los indivudios viven aislados en su mundo de comodidad y tecnología. La inoperancia de los gobiernos nacionales para resolver los problemas económicos en estos momentos de crisis es la prueba más palpable de que no son ellos los que tienen la sartén por el mango y son meros ejecutores de las voluntades de los ejecutivos que están en un peldaño superior en la pirámide del poder.

Lo peor de todo y como dijo Spinoza: "Los hombres luchan por su esclavitud como si se tratase de su libertad". Pedro Jesús Toril.

Woody Allen y Nueva York

2010-03-23T13:33:00.000-07:00

Me gusta Woody Allen por muchas razones, pero el motivo de más peso que puede que explique mi admiración por él y por otros tantos genios del cine, es su increíble capacidad para decir sin necesidad de eufemismos ni gestos políticamente correctos (otra de las malditas plagas actuales), verdades como puños.

¿Cómo no gustarme alguien que comprende mejor que el resto de los mortales la terrible incongruencia de muchas de las situaciones cotidianas que aceptamos como normales? Alguien que es capaz de darse cuenta de lo absurdo que hay en muchos de nuestros comportamientos. Alguien que es capaz de analizar como nadie las relaciones humanas, la sociedad, las distintas razas, las guerras y sus causas, la historia... de una forma científica y objetiva... para acabar mirando el mundo desde un punto de vista más personal y sacarte, unas veces un suspiro de melancolía y resignación, y otras tantas una sonrisa irónica o carcajada inevitable. Eso es la definición de genio inconfundible.

Woody Allen nació en su amado Nueva York el 1 de diciembre de 1935, de familia de origen judío. Durante su infancia aprendió a tocar el violín y el clarinete. Su amor por la música (probablemente igual a su amor al cine) le ayudó bastante en las posteriores elecciones de las bandas sonoras para sus películas. Las posibilidades que se le ofrecían al pertenecer a la clase neoyorquina acomodada le permitieron ver toda clase de cine, y su increíble inteligencia hicieron el resto para poder empaparse de lo mejor del séptimo arte y poder admirar a sus particulares dioses: Welles, Bergman y Kubrick; gigantes comparados con él según sus propias palabras "Soy lo suficientemente bajo y feo como para triunfar por mí mismo".

A pesar de comenzar su carrera como humorista escribiendo monólogos, no podía tardar mucho en realizar sus primeros filmes: "El dormilón", "Bananas", "La última noche de Boris Grushenko"... comedias desternillantes donde los geniales gags conviven de forma perfecta con sus sempiternas obsesiones sexuales, sociales, existenciales... no podía quedar en comedia... Poco después abrió su parte más introspectiva y realizó su eterna obra maestra "Annie Hall", aunque yo prefiera "Manhattan"; dos perlas del séptimo arte que resumen perfectamente quién es Woody Allen: el mejor exponente de filósofo contemporáneo capaz de reírse de todo, incluso de él mismo , sin perder un ápice de verdad y agonía en sus palabras. ¿Cómo no ser un lamentable neurótico si se es capaz de ver y entender lo que él ve? Jamás se cansará de nombrar a Nietzsche, Groucho, Freud...

Su cine lo tiene todo: realismo, tratado con humor e ironía... existencialismo, tratado con humor e ironía, la vida tratada con humor e ironía, las relaciones y el sexo tratados con humor e ironía... ¿pero es que acaso no tiene este genio esa parte romántica que tanto critica él mismo, cuestionando incluso su existencia?. Pues sí, ese pequeño recodo que escapa a su parte racional se llama Nueva York (Manhattan), ciudad y barrio que retratará y homenajeará en el resto de su prolífica y excelente filmografía, lo cual comprendí al sentarme en un banco de Brooklyn con Antonio y Nacho para contemplar las luces de la gran manzana, ese mismo lugar del famoso fotograma de "Manhattan".

¿Qué Woody Allen preferís? ¿Ese odioso enano neurótico y racional capaz de ironizar y reírse de todo, hasta de sus propios orígenes?, ¿o al entrañable, pequeño, irracional e indefenso hombre amante de la música, del cine, de Manhattan, de la vida...? Entended como yo que son dos caras de la misma persona y que todos presentamos la misma dualidad. Sacad siempre que podáis la segunda. ¡Hasta pronto!.

"Yo fui expulsado en el colegio por copiar en el examen de metafísica: miré en el alma del muchacho que se sentaba al lado de mí"

Woody Allen

Un último favor, queridos lectores: Pinchad el siguiente enlace: Comienzo "Annie Hall"

El pequeño gran hombre

2010-03-16T11:35:00.000-07:00

Dustin Hoffman, al igual que muchos actores de esa maravillosa generación (finales de los sesenta y principios de los setenta) como Al Pacino, Robert de Niro, John Voight,... quizá haya visto mermada su merecida reputación con nombres de filmes de las dos últimas décadas que no estaban a la altura de semejantes monstruos interpretativos.

Pero echemos un vistazo a sus primeros papeles: "El graduado", "Cowboy de medianoche", "Perros de paja", "Papillon", "Lenny", "Todos los hombres del presidente", "Marathon man", "Kramer contra Kramer" y "Tootsie"!!! y entonces pocos se atreverán a negar la variedad y calidad de las interpretaciones y películas en las que Dustin Hoffman participó. En la década de los setenta (nuestro próximo ciclo del cine-club por cierto) trabajó en buena parte de las mejores obras de esa estupenda e innovadora época y con muchos de sus mejores directores contemporáneos: Mike Nichols, Sam Peckinpah, Sidney Pollack, John Schlesinger... Y si hablamos de premios, cuenta con nada menos que siete nominaciones a los Oscars (logrando dos estatuillas) y ¡catorce! a los Globos de Oro (consiguiendo nada menos que seis).

Los hermanos Galán me dijeron una vez que les parecía un actor algo sobrevalorado y con un estilo interpretativo harto sobreactuado. Es curioso que a mi me resulte todo lo contrario, y no entiendo como en otros actores (por ejemplo Jack Nicholson) la sobreactuación sí se considera una virtud interpretativa que incluso caracteriza y da mérito a quien la usa. Repasad de nuevo la lista de películas que he nombrado antes y decidme si se trata de un actor en realidad sobreactuado que recurre a infinidad de tics para caracterizar todos sus personajes, al contrario, pienso que se trata del mejor exponente de actor de método que es capaz de mimetizarse para adentrarse de la mejor manera posible en cada uno de sus personajes.

Hace poco leí en alguna parte que mantiene hace tiempo una sana rivalidad interpretativa con Al Pacino. Me alegro, porque para mí son superiores a Robert de Niro y Jack Nicholson, esos sí exageran sus personajes.

¿Qué prefiero de su filmografía? Si echáis un vistazo a sus papeles en "Perros de paja" y "Tootsie" os daréis cuenta de la versatilidad de sus interpretaciones. Imposible no admirar y conmoverse ante su papel como Michael-Dorothy en la comedia de Pollack.

Dustin Hoffman es alguien a quien Lawrence Olivier, celoso o asombrado, tuvo que recordarle que el trabajo interpretativo es actuar, sin necesidad de dejarse la vida en ello. Os referiré la mítica anécdota ocurrida durante el rodaje de "Marathon Man". En una de las escenas finales Dustin tenía que aparecer absolutamente agotado, y ese día se presentó en el plató con un aspecto lamentable. Lawrence le preguntó:

-¿Qué te pasa Dustincillo?

-Nada, que como hoy tengo la escena en la que estoy agotado, no he dormido en toda la noche y además, he venido desde e l hotel corriendo. Así me meto mejor en la piel del personaje.

-Ah... Y, ¿por qué no lo interpretas?

Son dos maneras de entender el oficio, Dustin seguía el "método" y Lawrence era actor. Pero yo me pregunto, ¿qué es en realidad ser actor?

Nos metemos de lleno en la discusión de la valía del famoso método Stanislavski, y aunque mucha gente piensa que la anterior situación supone el triunfo de un verdadero actor como Lawrence Olivier sobre Dustin Hoffman, yo siempre la consideré como un ejemplo de la gran admiración que el mismísimo Sir Lawrence sentía por el pequeño gran hombre.

Desde aquí mi pequeño homenaje a este gran actor, que a pesar de no contar con un físico carismático y atrayente como Robert Redford o Paul Newman, consiguió hacerse un hueco en el selecto club de los más grandes, dejando en mi retina escenas inolvidables, eso es lo que cuenta...

Paseando por Central Park lo recordamos corriendo en "Marathon Man", ¿verdad Galanos? ¡Hasta pronto!

"He sido mejor hombre contigo como mujer de lo que nunca había sido con una mujer como hombre."

Tootsie

Dustin Hoffman

Ciclo "Cine y pensamiento positivo"

2010-03-14T05:22:00.000-07:00

Tenemos de nuevo otro ciclo a nuestras espaldas y no está de más decir otra vez la magnífica elección, presentación y debate por partes de todos los miembros del cineclub de las cinco películas.

Y por supuesto no paramos... el próximo... cine en los años 70, probablemente la década más prolífica e innovadora en cuanto a cine y otras artes, ¡época de cambio!.

Ya os informaré. Saludos.

La mujer del cuadro

2010-03-12T10:47:00.000-08:00

Todo el mundo suele relacionar la época dorada del cine americano con los años treinta y cuarenta, épocas de esplendor para el cine optimista de Capra, las primeras comedias de Howard Hawks y sobre todo para el magistral cine llamado "negro" con sus atrayentes antihéroes desafiando las leyes de la lógica-práctica para crear su propia moralidad por encima del resto de los mortales: la imagen de Humphrey Bogart cigarro en boca llamando a Lauren Bacall...

Probablemente la mayor parte de la gente coincidirá en señalar "El sueño eterno" y "Tener y no tener" de Howard Hawks; "Cayo largo", "El halcón maltés" y "La jungla de asfalto" de John Huston; "Casablanca" de Michael Curtiz o la inmejorable "Perdición" del maestro Billy Wilder como máximos exponentes del citado género; pero yo rescataré, una vez más, mis dos preciadas joyas personales: "Perversidad" y "La mujer del cuadro" dirigidas por el arquitecto del cine Fritz Lang.

No os hablaré ahora del genial director vienés, mejor revisad la entrada "Oscuridad, luces y sombras" donde comento el cine expresionista alemán de los años veinte y de la enorme influencia de su estética cautivadora en filmes tales como "Metrópolis", "Nosferatu", "Las tres luces", "El gabinete del doctor Caligari"... los responsables: Fritz Lang, Murnau, Wiene, Pabst...

Pero cuando mi admirado Lang tuvo que huir de Europa al comenzar la ascensión de Hitler al poder, rechazando incluso la dirección de los estudios alemanes de la UFA a petición del mismísimo tercer Reich, llegó a Hollywood y encontró otra manera de entender el cine, otra finalidad, otros géneros... y quizás llego a comprender lo fácil que fue para semejante genio (creador otrora de obras socialmente tan comprometidas y estéticamente tan innovadoras) coger buenos guiones (en esa época abundaban más que hoy la telebasura) y hacer excelentes películas de cine negro (estoy seguro que un género menor para él).

Así nació "Perversidad" y "La mujer del cuadro", en mi opinión superiores a las anteriormente nombradas porque unen un buen guión y un magnífico trabajo de Edward G. Robinsn y Joan Bennett con el sello personal que supone la particular forma de rodar del arquitecto: atmósferas agobiantes, planos y movimientos de cámara sorprendentes y utilización perfecta de la luz y las sombras.

¡Vaya! pero si yo quería hablaros de "La mujer del cuadro"... mejor vedla vosotros mismos y disfrutad de una de las cumbres del género policíaco, donde la dirección de Lang y el talento de Robinson se unen para crear una de las joyas del séptimo arte. Buen provecho amigos.

Su juego favorito

2010-03-11T05:20:00.000-08:00

¿Cómo es posible que, en ciertas ocasiones, en la vida del hombre más respetado, acomodado y sensato aparezca la mujer más loca, atrevida y caótica para poner patas arriba la vida del primero, y aún así éste no pueda evitar enamorarse locamente de ella?

Si quiere ver un magnífico ejemplo del por qué las mujeres son en realidad el sexo fuerte y cómo es posible que nos vuelvan tan locos... vea ¡Su juego favorito!, la comedia más refrescante y divertida de Howard Hawks... y ponga un poco de sal en su vida.

Río Bravo

2010-03-09T09:03:00.000-08:00

Río Bravo no es una película del Oeste...

Río Bravo es la historia de una amistad.

Río Bravo es la historia de la lealtad bien entendida, esa que se demuestra con hechos y no con palabras.

Río Bravo es una historia de tres hombres fieles a sus ideales, sin miedo, esa clase de hombres rara abis que aparecen en cualquier época y lugar para desafiar la injusticia establecida y nadar contracorriente a sabiendas de que en la mayor parte de los casos perderán. A eso se le llama valor: combatir por tí, por un amigo y por nadie o nada más.

Río Bravo... o como decir sin palabras que a pesar de lo hondo que has caído, en el momento que te haga comprender que solo tú has de tener el valor suficiente para salir de ese pozo, allí estaré para coger tu mano.

Río Bravo es la eterna historia de aquellos que eligen vivir diferente.

Río Bravo es una película del Oeste.

"No me gusta ver a sus hombres en el camino bloqueando el pueblo. No me gusta que nos vigilen y que traten de cazarnos traicioneramente. No me gusta que maten a un amigo mío una hora después de haber dicho que iba a ayudarme. Y no me gusta usted Burdett, porque es el culpable."

Río Bravo
John Wayne

Esplendor en la hierba

2010-03-04T09:39:00.000-08:00

Sin duda la película que mejor y de manera más hermosa narra el increíble esplendor que todos sentimos en nuestra juventud, ese sentimiento de infinita ingenuidad e inocencia al descubrir la belleza de las cosas, el amor, la felicidad... para después hacernos caer en el profundo pozo de la certeza que supone saber que todo es efímero y que solo quedan los recuerdos... es "Esplendor en la hierba".

No es extraño pensar que Elia Kazan ("Un tranvía llamado deseo", "Viva Zapata", "La ley del silencio", "Al este del edén"...) consiguiese trasladar la juventud y la belleza al séptimo arte de la manera más poética posible; y a pesar de la enorme grieta en su expediente que supuso la traición a sus compañeros en la caza de brujas del Mccarthismo; para mí siempre será el director de mayor sensibilidad de la historia... quizás solo igualado por Mankiewicz.

Mi definición de belleza es el rostro enamorado de Natalie Wood en los primeros fotogramas del filme, sus ojos muestran esa inocencia y felicidad que sólo se pueden sentir en un momento concreto de la existencia, algo que no volverá... Esa mirada la convirtió en una estrella y supuso , sin duda, su mejor y más recordada interpretación... algo que para bien y para mal la persiguió hasta el fin de sus días... la película resultó ser el lamentable presagio de la vida tortuosa del rostro más bello e inocente del cine...

Repito otra vez inocencia, porque solo si es es inocente se puede apreciar la auténtica belleza para alcanzar la verdadera felicidad... por favor, no perdáis ese punto de inocencia e ingenuidad... porque cuando lo hagáis os daréis cuenta de que ya jamás volveréis a sentir lo mismo...

Sí, efectivamente, debo admitir que esta película es una de las razones de mi eterna resistencia a crecer, a madurar (maldito eufemismo), a dejar de sentirme joven.

Pero es que la felicidad es por definición efímera, y ese es el contundente mensaje de la película... un sentimiento tan agridulce que te perforará hasta llegar al lugar más recóndito de tu alma...

"Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello que me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolverme las horas de esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no debemos afligirnos, pues siempre, la belleza subsiste en el recuerdo"

El club de los poetas muertos

2010-02-25T03:15:00.000-08:00

"El día de hoy no se volverá a repetir. Vive intensamente cada instante. Lo que no significa alocadamente, sino mimando cada situación, escuchando a cada compañero, intentando realizar cada sueño positivo, buscando el éxito del otro, examinándote de la asignatura fundamental: el Amor. Para que un día no lamentes haber malgastado egoístamente tu capacidad de amar y dar vida".

"Sólo al soñar tenemos libertad, siempre fue así, y siempre así será".

"Fuí a los bosques porque queria vivir a conciencia, queria vivir a fondo y extraer todo el meollo a la vida, y dejar a un lado todo lo que no fuese vida, para no descubrir en el momento de mi muerte, que no había vivido".

"¡Oh capitán, mi capitán!".

Ágora

2010-02-22T10:01:00.000-08:00

No me gusta pedir opinión sobre alguna película antes de verla, al contrario, prefiero verla por mí mismo sin leer sinopsis y críticas previas. No obstante, antes de visionar la esperada "Ágora" de Amenábar oí en más de una ocasión que era un film que carecía de la frescura y calidad de las anteriores películas del director madrileño.

Me vais a permitir y perdonar que por una vez me ponga un pelín prepotente para deciros que lo siento mucho por aquellas personas que carecen de los conocimientos sociales, históricos e incluso matemáticos necesarios para comprender la cinta de Amenábar en toda su dimensión.

La historia narra de forma formidable un acontecimiento histórico, social y religioso tan importante y tan clave para el desarrollo de nuestra historia, que decir de ella que es una película épica más, sin nada nuevo que aportar e incluso anacrónica... es decir muy poco.

Ya sabéis que me precio de mirar las cosas objetivamente y sin prejuicios, pero he de confesaros que en esta ocasión no pude evitar pensar a raíz de algunos comentarios, que Amenábar se ensañaría con la religión cristiana y con el enorme destrozo que los seguidores de dicha religión (creciente en aquella época) llevarían a cabo con el saber clásico y la biblioteca de Alejandría, convirtiendo una supuesta obra maestra en un acto de subjetivismo y partidismo del que toda buena película debe carecer. Nada más lejos de la realidad. La película nos cuenta sin ningún tipo de adhesión a cierta religión o postura moral, una época clave en la historia mundial... el crecimiento y sustitución de una religión predominante por otra, el derrumbamiento de ciertas bases sociales que serán suplantados por otras... el paso de una moralidad a otra, sin que nada en definitiva realmente importante cambie en el mundo. Ese es el maravilloso mensaje del director. Lo único que cobra importancia es la fe de algunas personas, de la filósofa-matemática Hipatia de Alejandría sobre todo y de su búsqueda incansable de la verdad. Y todo ello lo hace estableciendo continuamente en la cinta diversas metáforas exquisitas cada vez que ella alcanzaba un nuevo descubrimiento o paso hacia su incesante búsqueda de la verdad, de su libertad. Si a ello le añadimos la perfecta realización y guión de Amenábar y su inseparable y magnífico co-guionista Mateo Gil, resulta una película digna de todo elogio. Lo siento mucho por todos aquellos que no han sabido ver todo esto.

Pero claro, para eso es necesario ver el mensaje clave del genial director que dice que las guerras y los odios presentes a lo largo de toda la historia de la humanidad no son producidos ni por dinero ni por amor, sino simplemente por una cosa que todos llamamos satisfacción personal y orgullo en forma de poder. Lo que ocurre, es que ese poder una veces se llama política, otras veces se llama dinero y otras tantas amor y reconocimiento.

La única verdad inconmensurable es la fe y valentía de ciertas personas en buscar la verdad como medio para alcanzar la propia libertad. Es más, incluso el genial director nacido en Chile llega a plantearse esta última importancia de esa infinita búsqueda, al filmar sin palabras y de un modo precioso que el mundo seguirá girando alrededor del sol, y este alrededor de las galaxias y estas alrededor de... hagamos lo que hagamos. Sencillamente maravilloso...

Me molesta... me molesta mucho el ensalzamiento excesivo en ciertos sectores de la profesión, bien quedó plasmado en la gala de los Goya, de la figura de Pedro Almodóvar. No negaré, sería ser cínico, subjetivo y enormemente inepto por mi parte, la enorme calidad de las películas del director manchego, películas de un género inclasificable muy influenciadas por el cine francés de la "nouvelle vague" e italiano como él mismo ha reconocido. Pero para hacer una obra maestra en cada género hay que estar un escalón por encima... en ese lugar donde habita Kubrick y otros muy pocos, y que ahora es ocupado también por Amenábar... (ya sé que Galán dirá al leer la crítica que me estoy otra vez creciendo demasiado, pero ya sabes primo de mi impulsividad cuando veo algo bueno).

Pues bien, como ya predije, el futuro Kubrick ya tiene su "Espartaco" y si sigo sin equivocarme... ahora, o más adelante, preparará una película más metafísica al estilo "2001, una Odisea del espacio". Y otra vez producirá una obra maestra.

Sin más dilación y esperando que el próximo trabajo de Alejandro Amenábar sea mejor entendido o no (me da igual) me despido hasta otra ocasión. ¡Saludos!

¡Primera plana!: Billy Wilder, ciudadano americano

2010-02-15T10:25:00.000-08:00

De todas las inolvidables comedias que rodó el genio del género yo me quedo sin duda con la insuperable "Primera plana".

Sí...sé que es difícil e incluso atrevido nombrar solamente un trabajo dentro de los magníficos veintiséis filmes que rodó y más de sesenta guiones que escribió, pero es en ésta, la antepenúltima de sus direcciones, donde las constantes de su cine de ritmo endiablado, situaciones grotescas, guiones rápidos, perfectamente escritos y enlazados, alcanzan su máximo nivel. Para qué hablar de la actuación de Walter Matthaw y Jack Lemmon... Todo el mundo que ha visto sus interpretaciones piensa que en la vida real tiene los mismos roles, y eso es sin duda, lo mejor que se puede decir de un actor.

Ningún crítico se atreverá a negar que Wilder fue y será el mejor guionista de la historia del cine, pero lo que nunca logré entender es que cómo un director con la suficiente sensibilidad como para rodar la mítica "El crepúsculo de los Dioses" siempre fue tachado de hombre despótico, cínico, arrogante y pragmático. Él mismo se empeñó en dar la razón a semejantes adjetivos con sus eternos ataques a sus contemporáneos directores europeos de cine mucho más simbólico y de otra finalidad. He aquí dos de sus famosas perlas lingüísticas: "Antonioni seguro que es un gran director, un gran artista. Pero en lo que a mí se refiere, soy incapaz de mantenerme despierto". "Sobre Ingmar Bergman debo decir que los críticos no tienen ni idea de lo que está diciendo, pero, pese a todo, les chifla... Existe una asociación internacional de ese tipo de críticos, capaces de extasiarse ante el asno muerto de Cocteau envuelto con telas encima de un piano".

Me encargaré de desmitificar esa merecida o inmerecida fama en la medida de lo posible: Billy Wilder nació en territorio hoy polaco, y tras la ascensión al poder de Hitler (su madre de raíces judías murió en un campo de concentración) se vio obligado a huir a Estados Unidos, donde empezó a trabajar haciendo guiones para la Paramount con su ídolo Ernst Lubitsch. Tras la muerte de este último dijo: "Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch". Es verdaderamente elocuente y esclarecedor que la película que inspiró la vocación de Wilder según sus propias palabras fuese "El acorazado Potemkin" (menuda ironía... a semejante ciudadano americano).

Pero lo cierto es que la filmografía de Wilder no empezó siendo precisamente puro humor: "Cinco tumbas para el Cairo", "Perdición", "El crepúsculo de los Dioses", "Testigo de cargo"... incluso dentro de sus posteriores comedias pasamos de la crítica más sátira a la sociedad americana "Primera plana" a el lado más contrapuesto políticamente hablando "Un, dos , tres"; del cinismo de "En bandeja de plata" a la ternura e idealismo de "¿Qué paso entre mi padre y tu madre?" o "El apartamento". Esto nos da a entender, que a pesar de su declarado amor al más puro estilo de vida americano: "Del mismo modo que todo el mundo odia a Estados Unidos, todo Estados Unidos odia a Hollywood. Existe el profundo prejuicio de que todos nosotros somos tipos superficiales que ganamos diez mil dólares a la semana y que no pagamos impuestos; que nos tiramos a todas las chicas; que tenemos profesores en casa que dan clases a nuestros hijos de cómo subirse a los árboles; que cada uno de nosotros tiene dieciséis criados y que todos conducimos un Maserati. Pues sí, todo esto es verdad. ¡Aunque os muráis de envidia!"; nos encontramos ante una personalidad más interesante y profunda de lo que sus últimas películas parecen mostrar. Una cosa es segura, siempre llevó a cabo su famoso lema sobre cómo hacer películas : "Si el Cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces el Cine ha alcanzado su objetivo".

En resumen, a mi modo de ver, Billy Wilder estaba muy por encima de unas u otras consideraciones morales y políticas, vivió como siempre quiso y escribió guiones de cine como jamás nadie lo ha hecho y es por eso precisamente por lo que su genio siempre será recordado.

"Recuerda que eres tan bueno como lo mejor que hayas hecho en tu vida"

Billy Wilder

¡Yo de mayor quiero ser como los hermanos Marx!

2010-02-07T04:08:00.000-08:00

Yo de mayor quiero ser como los hermanos Marx... quiero que mi vida sea una continua sucesión de situaciones disparatadas, que la originalidad y el absurdo distinga mi vida de las demás, rutinarias e insoportables. Quiero en cada momento disfrutar, innovar y desafiar a los comportamientos previamente establecidos que me producen tal aburrimiento...

Quiero ver otra vez "Una noche en la ópera" y aprender a vivir como siempre quise.

PD: Por favor pinchad el enlace.

Apocalipsis Now

2010-02-07T02:53:00.000-08:00

¿Cree usted que el infierno es algo atemporal, algo que se encuentra en un recóndito escondite del más allá? No y rotundamente no. El infierno es algo creado por nosotros mismos, los hombres... Dios o el demonio no son tan retorcidos como para imaginar que la condición humana llegue a límites tan insospechados y sobrecogedores...no puede ser posible.

Esta es la sensación que puede usted tener al final de Apocalipsis Now.

La obra maestra de Coppola (lo siento por los fans de El Padrino) narra la historia del capitán Willard (Martin Sheen), el cual es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos.

Coppola decidió muy acertadamente adaptar por fin a la gran pantalla la novela "El corazón de las tinieblas", proyecto abandonado en su momento por su Dios personal "Orson Welles". Y el resultado ¡tras tres años de trabajo e innumerables problemas! es donde por fin alguien consigue proyectar el mismísimo infierno (al igual que Charles Laughton consiguió rodar el miedo en "La noche del cazador" o Stanley Kubrick rodó por primera vez y sin paliativos la violencia en "La naranja mecánica").

El genial director italoamericano plantea la película como el descenso a los infiernos del capitán Willard, un nuevo Dante que a medida que atraviesa la selva y observa el horror, el caos creado por la guerra (algo que acaba matando o volviendo locos a muchos de sus hombres) se va dando cuenta de que no cabe otra opción y que su destino final es conocer la maldad personificada. No tiene escapatoria... él mismo entiende que en el momento en el que se encuentre frente a frente con el coronel Kurtz, se verá reflejado en Él. El infierno se ha apoderado de su mente y lo deshumanizará por completo, como al antaño ejemplar coronel... la vanidad, la crueldad sin motivo y la locura lo invadirán. Ni Dante pudo imaginar algo similar.

La respuesta de Cannes a la esperada película fue: "La cinta no pretende enseñar la guerra de Vietnam, es la misma guerra de Vietnam..."

El rodaje, por supuesto, también fue una increíble agonía...entre otras muchos inconvenientes, Martin Sheen estuvo a punto de morir de un ataque al corazón durante el mismo... pero concluyó con una obra que sin duda pasó a la historia del cine. El comienzo de la película con el despertar en soledad y en su habitación durante la guerra del protagonista mientras suena "The end" de The Doors es sencillamente sobrecogedor, y la escena del bombardeo de los helicópteros con la cabalgata de las Valkirias de Wagner de fondo es historia del séptimo arte.

Solo me queda deciros que la veais de nuevo, ya que seguramente todos lo habréis hecho alguna vez, adentraros una vez más en los diversos niveles del infierno de Dante (Coppola) y miréis por última vez a Brando a los ojos mientras os dice: "No me juzguéis, el infierno está en mi cabeza, fue producido por todo lo que vi y sentí... y ya nada tiene remedio..." "This is the end... my only friend...the end"

Pensamiento positivo

2010-01-30T05:20:00.001-08:00

Aquí tenéis el nuevo ciclo: "Pensamiento positivo", algo necesario en estos días ¿verdad?.
Pinchad en el cartel para ver mejor fechas y hora.

Si queréis experimentar como una buena película es capaz de levantar vuestro estado de ánimo, no faltéis. Estos son los ponentes:

Vivir (Akira Kurosawa) 1952: Paco Serrano (IES Los Pedroches)

En el estanque dorado (M. Rydell) 1981: David Hernández (IES Padre Juan Ruiz)

El asunto del día (G. Stevens) 1942: Juan Alfonso Romero (IES Jerez y Caballero)

Ed Wood (Tim Burton) 1994: Fran Michi

La fortuna de vivir (J. Becker) 1998: Nacho Galán (IES La Jara)

Como en un espejo

2010-01-26T04:21:00.000-08:00

Como parece que ultimamente estamos algo existencialistas, ¿verdad Mario, Picón, Esther?... os voy a hablar hoy del mítico director escandinavo Ingmar Bergman y de la última película suya que he tenido oportunidad de ver: "Como en un espejo".

Es probable que la mayor parte del mundo lo recuerde por su magnífica y mítica obra "El séptimo sello" (filme de los que, como ya dije en una ocasión, ha traspasado los límites del arte cinematográfico para convertirse en un icono estético y temático dentro de la filosofía más existencialista y desesperanzadora). La temprana afición de Bergman al teatro y sobre todo su profunda admiración por Henrik Ibsen y August Strindberg, unidos a su complejo mundo interior , formaron los mimbres necesarios para crear uno de los directores más metafísicos que jamás ha existido.

En su obra, a pesar de la lógica y sana evolución, nos encontraremos siempre, en constante flotación, los temas que tanto le apasionaban y obsesionaban: Dios, el Demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor; y todo ello envuelto en una ambientación claustrofóbica, enigmática y mágica también. A Bergman no le interesaban los problemas mundanos, sus viajes eran siempre al interior del alma humana y es allí donde consigue estremecernos a todos.

Por eso sus películas son en blanco y negro (para darle la necesaria siniestralidad), influenciadas por el expresionismo, y de ritmo extremadamente lento, para esperar a que el espectador reflexione sobre cada secuencia, cada diálogo... ver una obra suyo supone un ejercicio demasiado difícil y profundo como para darle la velocidad propia del cine actual. ¿Estamos quizás ante el James Joyce del cine?

Para mí, el mejor ejemplo del excelente y prolífico trabajo de Bergman es "Como en un espejo", la película que probablemente mejor retrate las obsesiones del director. No quiero, una vez más, hablaros de ella. Os prometo que no es falsa modestia, si Woody Allen dijo que no ha habido ni habrá humano que exprese el más profundo existencialismo mejor que Bergman, no seré yo el irreverente atrevido que lo haga. Eso sí, preparaos para un costoso ejercicio que una vez que se consigue descifrar, provocará en vosotros la más profunda admiración y sorpresa. Hasta pronto.

"En Como en un espejo se sostiene que toda idea de Dios creada por seres humanos produce necesariamente un monstruo"

¿Por qué los llaman clásicos?

2010-01-20T15:33:00.000-08:00

Pues bien, acabaron las proyecciones de este ciclo que una vez más resultó productivo en entretenimiento y enseñanza. Aquí tenéis el cartel de todas las películas proyectadas, gracias a los asistentes, a los cuales animamos a repetir en el siguiente ciclo que promete ser muy interesante: "Pensamiento positivo". Cuando David tenga elaborado el cartel con los títulos, fechas y lugar, lo pondremos en la página invitándoos a todos a asistir. ¡Hasta pronto!

2001, una odisea del espacio

2010-01-19T03:41:00.000-08:00

Cuando Stanley Kubrick decidió llevar al cine "El centinela" de Arthur C. Clarke para hacer su obra maestra de la ciencia-ficción, nadie se esperaba, a pesar de las evidencias en contra (estamos hablando de Kubrick), una película tan críptica, tan filosófica; una experiencia visual, musical y artística tan profunda y perturbadora (esa es la palabra) que pocos se resisten a su influjo. En palabras del propio Kubrick: "quise hacer una película que provoque en el espectador la misma sensación que al escuchar una hermosa pieza musical".

La película aborda no un tema sino el tema: la evolución humana, la vida extraterrestre, el Universo, Dios... y lo hace de una forma que no puedo describir de otra manera que no sea "embriagadora".

Hablar de la mejor película de ciencia-ficción de la historia (junto a Blade Runner) es de nuevo un esfuerzo inservible y os invito a verla a todos, y a los que no lo hayan hecho, !no perdáis mas el tiempo!

Después de verla podéis pinchad este enlace y pensar...

http://es.kubrick2001.com/ ("2001" explicada)

"Sois libres de especular acerca del sentido filosófico y alegórico de 2001"

Stanley Kubrick

Celda 211

2010-01-19T02:17:00.000-08:00

Hace muy poco se dieron a conocer las candidaturas de los premios Goya y como se esperaba, la gran triunfadora será sin ninguna duda Celda 211.

Celda 211 es mucho más que una revisión de ese género tan retratado en otras épocas que es el drama carcelario. Es una profunda reflexión sobre la culpa, el dolor, la responsabilidad, la influencia social, la búsqueda de la amistad y el apoyo que todos necesitamos y sobre todo y por encima de todo, estamos ante un filme enormemente valiente que desbanca falsas creencias y pone varios puntos sobre varias íes; sin caer, por otra parte, en tópicos a favor de una u otra parte. Una película de las que me gustan, objetiva pero con compromiso, bien construida sin dejar de ser original y valiente.

Si a todo ello le unimos la magistral como siempre (sobra decirlo) actuación de Luis Tosar y el bautismo de oro de la futura estrella del cine español (Alberto Ammann), nace una película en la que, ahora sí, las quejas de la industria española con respecto a la poca aceptación del cine patrio sí están justificados.

Nacho me dijo cuando la vio que era algo nuevo y un soplo de aire fresco al cine español y eso es suficiente motivo para verla. Muy recomendable. Saludos.

La noche del cazador

2010-01-17T14:28:00.000-08:00

El que es para muchos el mejor actor de la historia del cine, Sir Charles Laughton (Billiy Wilder lo definió después del rodaje de "Testigo de cargo" como el mejor actor con el que había trabajado nunca), decidió por una vez, ponerse detrás de las cámaras y rodar "La noche del cazador". Lo cierto es que Laughton ya contaba con una exitosa y prolífica experiencia como director teatral, pero aun así, no deja de ser sorprendente que esta adaptación de la novela de Davis Grubb se haya convertido ya en un clásico irremediable dentro del séptimo arte.

"La noche del cazador" es una de esas películas cuya fama ha traspasado los límites inherentes en el arte del cine y su iconografía (LOVE HATE en los nudillos de Robert Mitchum) se ha convertido ya en un símbolo del siglo XX y en uno de los logos más familiares y reconocibles de la historia cinematográfica. Como curiosidad, el personaje del padre de los niños de la historia se llama Ben Harper, al igual que el músico estadounidense.

Una vez más, tratar de hablaros de una película como "La noche del cazador" supone un ejercicio inútil y desesperanzador. Solo puedo remitiros a visionarla y a disfrutar de su sobrecogedora atmósfera metafórica. Las secuencias del escape de los niños se quedaron grabados en mi mente como una de las experiencias estéticas más bellas que he tenido.

Si alguna vez me pidiesen que pusiera algún ejemplo del uso de la metáfora en el cine, seguramente pensaría en "La noche del cazador". El filme entero es en sí una hermosa traslación a un drama ordinario de la eterna lucha entre el bien y el mal, haciendo que la película escape de la etiqueta de enésima tragedia costumbrista que ensalza valores tradicionales y se convierta en una bella alegoría de la infancia y la inocencia.

El perfecto guión adaptado, la insuperable actuación de Mitchum en uno de los papeles más recordados en la historia, el ambiente expresionista, oscuro e inquietante y el carácter onírico, a veces irreal de la trama hacen de la única película de Laughton uno de esos clásicos cuya valoración y aceptación crecen exponencialmente con el paso del tiempo.

Estamos sin duda ante una de las película más inquietantes de la historia, un perverso cuento de hadas que sobrecoge al espectador más frío... Probablemente Sir Charles Laughton consiguió rodar el mismísimo miedo.

Pinchad este enlace pero sólo después de haber visto la pelicula, os resultará muy interesante...

"La noche del cazador": simbolismo onírico y mitológico

"...Ah pequeño veo que te estás fijando en mis manos...¿quieres que te cuente la historia de la mano derecha y la mano izquierda?...aquí está escrito odio...aquí está escrito amor..."

La osadía de Hitchcock

2010-01-12T12:29:00.000-08:00

-...¿decís que hay un hombre que se ha atrevido a revelar a los humanos los oscuros secretos de sus espíritus?

-Sí, es inglés y su nombre es Alfred Hitchcock...

-Léale sus cargos:

*Mostrar a todo el mundo el lado oscuro de los deseos del hombre, la homosexualidad por primera vez aunque de modo encubierto y dar cotidianeidad a las malvadas teorías del superhombre de Nietzsche. "La soga"

*Enseñar al mundo antes de tiempo las represiones sexuales descritas por Freud y adentrarse en los miedos más profundos de los seres humanos respecto a la muerte y fugacidad de la vida. "Vértigo, de entre los muertos"

*Explicar del modo más sutil y arrogante la delgada y peligrosa línea que separa el sexo y la violencia y el enorme poder que tiene el subconsciente de las personas. "Psicosis"

Por todo ello, y por innumerables cargos más que no podríamos leer en esta vista, sumados a su eterno mutismo y detestable arrogancia, yo le condeno, señor Hitchcock, a ser el director más recordado de la historia del cine. Descanse en paz.

Oscuridad, luces y sombras

2010-01-11T15:09:00.000-08:00

Jamás olvidaré la primera vez que vi Nosferatu. Era solo un niño y esa imagen de la sombra de los dedos alargados del vampiro acercándose se grabaron en mi mente gracias a una perfecta combinación de miedo y belleza.

Os voy a hablar durante un momento del fantástico y terrorífico cine alemán de los años diez, veinte y principios del treinta, el mal llamado cine expresionista, pues el expresionismo como movimiento artístico (teatro, pintura, literatura...) ya había pasado tras la primera guerra mundial y además, ya os dije en más de una ocasión que prefiero no encuadrar tal cantidad de cine y directores en una sola etiqueta. No obstante, la fuerte depresión en la que cayó el país tras el desastre de la primera gran guerra, produjo las cruentas historias reales necesarias para dar el contenido al cine de esa época, y los sugerentes y perturbadores caracteres del teatro expresionista pusieron la forma necesaria. Nació así un tipo de cine que al verlo provoca escalofríos, miedo y fascinación al tiempo.

Películas que no se quedan en el simple relato de historias aterradoras (reales, imaginarias, a veces imposible distinguir la diferencia), sino que se adentran tan profundamente en los recovecos más inexplorados y a la vez temidos del alma humana que provocan en el espectador esa mezcla tan "expresiva" de miedo y placer. Estoy absolutamente convencido de que jamás volveré a tener una experiencia estética similar a la primera vez que vi "El gabinete del doctor Caligari". Este humilde narrador no puede describir lo que Robert Wiene "expresó" en la archireconocida y archiimitada mítica obra del expresionismo alemán (por poner un ejemplo de su infinita influencia, el vídeo "The other side" de Red Hot CHili Peppers).

Las imágenes y los sueños vencen por fin de una forma rotunda y definitiva a las inexpresivas y vacías palabras...La profunda oscuridad se llena de luces que aparecen a destiempo y las sombras hacen acto de presencia creciendo, de forma desordenada, dentro de un paisaje donde las líneas rectas pero desubicadas provocan perspectivas enloquecedoras y hacen confundir la realidad con los sueños, los sueños del protagonista, nuestros sueños...

Varios directores "expresionistas" trataron de utilizar el cine para reflejar sus miedos, obsesiones, el terror de una sociedad que caía a velocidad vertiginosa (solo así se podrá entender la ascensión de su "salvador" el tercer Reich y como toda una nación y cultura lo acogió como un Dios). Y usaron el "expresionismo" dentro del séptimo arte porque es la corriente artística que mejor permitía la visión interna de todo lo que estaba pasando. Es por lo tanto la estética y la forma, y no el contenido, el mayor logro del cine alemán de la época, logros que estoy seguro jamás podrán ser superados.

Os recomiendo lo siguiente:

-Fritz Lang (el arquitecto del cine): "Metrópolis" (cuyo mensaje se adelantó a su tiempo y sigue vigente más ahora que nunca) , "M, el vampiro de Dusseldorf" y por supuesto "El doctor Mabuse" y "Der mude tod" (las tres luces) la película que dijo a Buñuel que su camino era el cine.

-George W. Pabst (primer cineasta que incorpora el psicoanálisis en sus películas).

No aptas para personas hipersensibles o ¿sí? las dos películas más estremecedoras que he visto:

-Friedrich Whilhelm Murnau: "Nosferatu" (Murnau nos muestra con tal belleza y subjetividad , atada a formas lo más reales posibles, el mito del vampiro, que su cinta provocó infinitas leyendas de realidad incluso sobre su rodaje (John Malkovich en "La sombra del vampiro")

-Robert Wiene: "El gabinete del Doctor Caligari" (me niego a hablar de ella) vedla y punto.

"El alma es demasiado oscura y profunda como para tratar de describirla, solo podemos aspirar a pintarla, expresarla..."

Rock Hudson y Doris Day

2009-12-28T15:27:00.000-08:00

Si a muchos nos preguntasen por la pareja clásica por antonomasia de la comedia romántica del cine, muy pocos no pensarían en los eternos Rock Hudson y Doris Day.

Rock Hudson, máximo exponente del prototipo de galán americano elegante, atractivo y carismático; tiene la ideal complementación en la perfecta mujer de esa sociedad de los años cincuenta; tan independiente, "moderna" y evolucionada, como servicial, dulce y tradicional al mismo tiempo. El 99% de vuestras madres quisieron ser como ella...

Sé de lo ingenuo de lo anteriormente dicho así como de las comedias románticas de la época, pero como ya dije en una ocasión, la elegancia en las formas, los diálogos perfectamente enlazados y los desternillantes enredos forman parte de un tipo de cine que no necesitaba ser revolucionario ni atrevido. Lo mejor del séptimo arte es que ofrece millones de posibilidades y en mi opinión, hay momentos que debemos de dejar de cultivar el intelecto y ponernos una comedia romántica de los años cincuenta o sesenta para descubrir que hay un tipo de humor que nunca pasará de moda porque simboliza el lado más optimista de la vida.

Todo esto unido a la eterna y, no se si positiva o negativa, tendencia actual a mirar siempre al pasado, volvieron a poner en boga estas películas y por supuesto a la peculiar y representativa pareja. Y entonces a un tal "lumbreras" llamado Peyton Reed se le ocurrió dirigir una especie de remake llamado "Abajo el amor" con Ewan McGregor y Renée Zellweger como eventuales Rock y Doris, un filme donde utilizó la estética de las cintas clásicas con chistes y gags propios del cine actual, dando como resultado una película que a día de hoy no me queda claro si fue un homenaje o una parodia.

Las comedias románticas de esa época son fantásticamente genuinas precisamente porque se hicieron en esa época, con lo cual emanan del mejor lado (evidentemente había otro no tan bueno) de la sociedad americana de entonces. Por suerte o por desgracia (yo expongo hechos, no juzgo) el humor del público actual poco tiene que ver con el de entonces. Si diré, no obstante, que perdimos por el camino ese pequeño trozo de ingenuidad que hace falta para ser felices.

Cuando me apetece reír y mirar el lado optimista de las cosas pienso en ver:

Rock Hudson y Doris Day (secundados por el gran Tony Randall):

"Confidencias a medianoche"
"Pijama para dos" (mi favorita, teneis que verla)

"No me mandes flores"

Rock Hudson y Paula Prentiss:

"Su juego favorito" (dirigida por Howard Hawks) Otro perfecto ejemplo de cómo son las mujeres Mario, lo cual no te quita la idea al acabar la película de querer casarte con ella.

Rock Hudson y Gina Lollobrigida:

"Cuando llegue Septiembre"

"Habitación para dos"

Arriba el AMOR

El onírico mundo de Fellini

2009-12-22T18:49:00.000-08:00

En la vida de toda persona, el pasado se rige por los recuerdos (buenos o malos) y el futuro por los sueños. Sólo el inexorable paso del tiempo consigue transformar unos en otros.

Quisiera hablaros de un país que personalmente adoro: Italia. Ese país con una idiosincrasia tan particular como única, una región llena de escépticos, de heridas de conflictos anteriores que todavía no cicatrizaron (hoy lo vemos mejor que nunca), ese país donde el pragmatismo y la cruda realidad vencen casi siempre a una esperanza y utopías que la historia se ha encargado demasiadas veces en no dejar entrar. Un país donde el sistema político, económico y judicial se encuentran tan contaminados que lo convierten en un rara abis dentro del "primer mundo" y nos mantiene en la idea de que Italia es única y jamás podrá ser entendida, probablemente consecuencia de su inmensa belleza histórica, física y cultural.

Pues bien, a pesar de todo, en esta fantástica región encerrada por los Alpes y el bello Mediterráneo, se erigió el imperio romano (germen Europeo y de la organización y cultura occidentales junto con Grecia), surgió el Renacimiento con su revolución cultural y artística, y ha dado y dará muchos de los más importantes pintores, escritores, filósofos... de la historia.

El siglo XX no fue una excepción, y como el arte por antonomasia de este tiempo es el cine, de Italia emergieron directores como Federico Fellini, Luchino Visconti, Pasolini, Antonioni,... con sus obras tan diferentes a lo convencionalmente visto al otro lado del Atlántico. Un cine poético donde los sueños y los recuerdos se anteponen al hilo argumental y convierten los filmes en auténticas joyas para nuestros sentidos y elevan al cine desde el puro entretenimiento a la categoría de séptimo arte.

Podemos encontrar miles de ejemplos más en el cine Europeo: el existencialismo de Ingmar Bergman ("El séptimo sello", "Como en un espejo", "Fresas salvajes"...); la increíble lírica de Visconti y sus sempiternas reflexiones morales y vitales ("Confidencias", "Muerte en Venecia", "La caída de los Dioses", "El Gatopardo"...); Jean Cocteau al lado de su eterna línea indefinible entre la vida y la muerte, el arte y la ciencia, lo material y lo onírico... ("Orfeo", "La sangre de un poeta"...); así como el mismo Buñuel con su surrealismo llevado al cine a modo de crítica algunas veces y arte sublime muchas otras: ("Viridiana", "El ángel exterminador", "Un perro andaluz", "Simón del desierto"...).

Todo ello forma un cine propio del carácter Europeo como consecuencia probablemente de nuestra larga historia, algo de lo que no puede presumir la gran industria del cine americano.

Pero quizás donde el carácter onírico del cine alcanza su máxima expresión sea en el admirado y venerado Federico Fellini ("La dolce vita", "Satyricon", "Amarcord", "Ocho y medio", "Julieta de los espíritus"...) todas ellas impresionantes joyas del cine que impactaron en su momento tanto por su contenido (polémico muchas veces) como por su forma (belleza reconocible siempre); forman parte de la filmografía de unos de los maestros de la historia del cine.

Como siempre os adjunto aquí mis debilidades:

Federico Fellini: "La dolce vita" (exquisita reflexión sobre la fama, la vida y la muerte con el virtuoso preciosismo habitual del gran maestro) y "Satyricon" (genial obra barroca donde se dan cabida a las grandes obsesiones de Fellini).

Luchino Visconti: "Confidencias" (filme tan penetrante en el alma humana que os dejará sin habla).

Ingmar Bergman: "El séptimo sello" (un caballero de vuelta de las cruzadas jugará al ajedrez con la muerte para intentar encontrar un sentido a su vida, a la vida...) y "Como en un espejo".

Jean Cocteau: "Orfeo" y "El testamento de Orfeo" (obras densas del polifacético poeta francés donde se confunden sueño, realidad, arte y mitología, dos auténticas joyas).

Para terminar os diré, por supuesto y a pesar de lo dicho, que todo tipo de cine tiene su finalidad, pero es en Italia donde definitivamente, como muchas otras veces en otras disciplinas y en otras épocas, la vida se hace arte y los sueños y los recuerdos forman el cine.

-¿Quién sois?

-La muerte

-¿Es que vienes por mí?

-Hace ya tiempo que camino a tu lado

-Lo sé

-¿Estás preparado?

-El espíritu está pronto pero la carne es débil...Espera un momento

-Es lo que todos decís pero yo no concedo prórrogas

-¿Tú juegas al ajedrez verdad?

-¿Cómo lo sabes?

-Lo he visto en pinturas y oído en canciones...

"El séptimo sello"

Paul Newman (La leyenda del indomable)

2009-12-22T17:55:00.000-08:00

El año que nos deja será recordado en el mundo del cine por la muerte de Paul Newman. ¿Qué decir de él?...

Yo siempre lo recuerdo desde mi infancia con el eterno dilema entre sus cualidades y las de Marlon Brando que también nos dejó hace poco.

Quizás lo mejor que podemos decir de él es que su fuerza y atracción hacia la cámara fruto tanto de sus penetrantes ojos azules como de sus innatas cualidades interpretativas probablemente jamás serán igualadas. Su optimismo, y ejemplaridad ante la vida (tanto en los buenos como en los malos momentos), hizo de él un modelo a seguir dentro y fuera de las cámaras. Esa clase de tipos que han nacido para triunfar y cuya mirada sola deja entrever que nunca desperdició ni un solo momento de su vida.

Mirad su filmografía y disfrutadla. Por si queréis una guía, para mí, donde más brilló fue en:

Marcado por el odio
El largo y cálido verano

La gata sobre el tejado de zinc

El buscavidas

Dulce pájaro de juventud

La leyenda del indomable

Dos hombres y un destino

El juez de la horca

El golpe

El color del dinero

"Actúa como si tuvieras fe y la fe nacerá en ti". Paul Newman (Veredicto final)

De repente, el último verano

2009-12-22T17:18:00.000-08:00

Hace poco volví a ver una de mis películas favoritas: "De repente, el último verano"

El maestro Mankiewicz adapta el torturado mundo de Williams y crea una película absorbente y modélica, angustiosa y bellísima. Un filme duro, casi brutal, de inesperado desenlace. Una absoluta obra maestra.

La actuación de Katherine Hepburn roza y casi toca como nunca lo que podríamos llamar perfección interpretativa.

Disfrutad de ella como yo la ultima vez que la vi junto a una amiga.

-¿Cree usted que vio a Dios?

-Doctor, ese día mi hijo Sebastian lo vio todo... sólo que yo no quise creerlo... ninguno quisimos...

"Todos somos como niños jugando en un jardín de infancia intentando deletrear la palabra Dios con letras equivocadas"

"De repente, el último verano"

Revolutionary Road

2009-12-15T11:47:00.000-08:00

Probablemente una de las mayores frustraciones de la vida de una persona es despertarse y descubrir que no se es quien se esperaba ser no hace mucho tiempo, descubrir que aquellos sueños de adolescencia donde tu popularidad y valía presagiaban ante todos una excitante existencia acorde a ti... a alguien tan especial... se han convertido en otra rutinaria vida más, en eso que tú siempre habías odiado tanto, la mediocridad, perderse en el hastío de lo tópico y lo normal.

Revolutionary road es un filme donde Kate Winslet y Leonardo DiCaprio interpretan a una, en teoría, feliz pareja americana de los años cincuenta que viven acomodados en lo que sus vecinos llamarían una existencia perfectamente normal. Para todos son la pareja ideal, pero esa idea de perfección no encaja con las antiguas ambiciones de los chicos más populares de un instituto americano. Ahí surge el conflicto. El filme desgrana sin paliativos los entresijos, la hipocresía y el conservadurismo de la más rancia sociedad americana de la época, cuya enorme presión social chocará con las inmaduras personalidades del joven matrimonio.

La enorme tensión dramática de la magnífica cinta del director Sam Mendes ("American Beauty" y "Camino a la perdición") se mantiene gracias a los estupendos trabajos de Leo DiCaprio y Kate Winslet. El también director de teatro (se nota) consigue desencasillar y sacar lo mejor de la eterna pareja de Titanic. De Kate Winslet no hace falta decir nada. Echemos un vistazo a su filmografía: "La vida de David Gale", "Descubriendo nunca jamás", "todos los hombres del rey", "the reader"... Una de cada tres de las películas mejor criticadas del momento están interpretadas por una actriz que no elige los papeles, los mejores papeles la eligen a ella. Una pena que no tenga el llamado "sex appeal" de otras como mi adorada Scarlett Johansson. Salvando las distancias, Kate y Scarlett son las Katherine Hepburn y Marilyn actuales ¿no creeis?: Mientras que Kate Winslet parece haber heredado la androginia de la primera, Scarlett atrae a la cámara como solía hacer Marilyn... sin darnos cuenta.

Por último os diré que aunque el guión está basado en una novela de Richard Yates, la enorme tensión existencial de la película nos hace recordar lo mejor de las adaptaciones cinematográficas de las obras de Tennesse Williams. Resumiendo, suficientes buenos ingredientes para lograr una estupenda película que recibió tres nominaciones a los oscars sin conseguir ninguno. Kate lo consiguió ese mismo año por "The Reader" (que también aconsejo) aunque prefiero su trabajo en esta ocasión. Disfrutad los que no la hayáis visto.

Cantando bajo la lluvia

2009-12-11T11:55:00.001-08:00

¿Qué no te gustan los musicales? Ponte "Cantando bajo la lluvia" y fuera problemas...

Western

2009-12-11T10:46:00.000-08:00

Siempre pensé el daño que ha hecho la televisión al cine del oeste. A la mayoría de la gente que le preguntas por este género te contestarán que les parece un cine anacrónico, repetitivo y carente de todo interés. Yo creo que eso es debido a que en la mayor parte de los casos, la televisión emite los productos más irrelevantes que dio tal género, el cual la industria cinematográfica americana agotó hasta la extenuación y exprimió más allá de lo que hubiera sido recomendable, unas veces por exaltación de patriotismo y otras veces por intentar inútilmente recuperar glorias pasadas.

Yo no puedo dejar de pensar en las enormes obras de arte que ha dado esta parte de la industria del cine: "Centauros del desierto" (John Ford) -para muchos críticos la mejor película de la historia-, mi favorita "Río Bravo" (Howard Hawks), "Los siete magníficos" (John Sturges) -remake de "Los siete samurais" de Kurosawa-, "Duelo de titanes" (John Sturges) -la mítica hostoria del duelo de OK Corral- o el antiwestern por excelencia "Grupo Salvaje" (Sam Peckinpah).

Porqué tratar de manera tan injustificada a un género que ha dado gran parte de las mejores obras del siglo XX. Aquél que reune lo mejor del cine negro (héroes solitarios en busca de batallas perdidas, fieles a su filosofía y con una determinación que les hace estar siempre a medio camino entre la heroicidad y la estupidez). No es extraño pensar en el western como en el sucesor del cine de los años treinta y cuarenta. Como criticar aquellas historias de valor, honor, realismo, crueldad, esperanza, amistad, amor, valentía y lealtad que hacen del cine esa fábrica de sueños... Mirar la fotografía de "Centauros del desierto" (la mejor de la historia) mientras disfrutamos del cine sin palabras del magnífico John Ford o saborear de la increíble historia de lealtad que subyace a "Río Bravo" y a tantas otras... me hace querer ver otra película del "oeste". En dichas películas se han tratado como quizás en ningún otro género los eternos temas de la búsqueda de la libertad, de la utopía y de los sueños propios frente al conservadurismo reinante.

A pesar del las magníficas películas nombradas anteriormente (sólo algunas de las más famosas) yo os recomiendo mis favoritas como siempre:

"Dos cabalgan juntos" (John Ford) Filme donde se abordan los ya consabidos dilemas morales del cine de Ford con un estupendo sentido del humor.

"El club social de Cheyenne" (Gene Kelly) donde los entrañables ancianos James Stewart y Henry Fonda reflexionan sobre el sentido de sus vidas tras una perfecta y larga amistad (dentro y fuera de la pantalla) a pesar de sus contrapuestas posturas ideológicas (James Stewart republicano y Henry Fonda demócratra).

John Ford sabía que las mejores historia surgen de las peores encrucijadas. Disfrutad del cine del "Oeste"...

Ró Bravo

Lawrence de Arabia

2009-12-11T10:11:00.001-08:00

Había una vez un hombre que desafío al desierto, a la lógica y a las propias leyes humanas. Alguien con tal determinación y confianza, que sólo la ignorancia, la ruindad y la vileza de sus propios semejantes podrían detener. "Para ciertos hombres, nada está escrito si ellos no lo escriben".

"Usted debe de ser la persona que mejor conoció al coronel Lawrence: Tuve el privilegio de conocerle y darlo a conocer al mundo, Sir Lawrence era un poeta, un sabio y un buen soldado... y por supuesto el mayor exhibicionista que jamás ha existido"

"Me gusta el desierto porque está limpio" (Lawrence de Arabia)

"El secreto no es que no te duela sino que no te importe que te duela" (Lawrence de Arabia)

Lawrence de Arabia: beberé cuando tú bebas

500 días juntos

2009-12-08T10:08:00.000-08:00

La última película que he visto es una comedia romántica llamada "500 días juntos". Nunca entendí ese nombre: generalmente el romanticismo es de todo menos cómico. Tampoco soy muy amigo de las etiquetas, de clasificar las películas, de decir si es de tal género, si es mejor, peor o si es más o menos comercial. Una película, como cualquier otra cosa, puede decir cosas muy diferentes según la persona que la vea, el momento, estado de ánimo...y eso en realidad es lo bueno de la música, el cine y el arte en general. Para que os hagáis una idea, las mejores críticas que he leído dicen que es la mejor película independiente del año y las peores hablan de enésimo drama sensiblón.

Me la recomendó mi hermano Mario y os diré desde mi punto de vista (igual que el suyo seguro)que la cinta goza de una refrescante originalidad y trata el tema de las relaciones de pareja con una realidad e ironía que a veces asusta. Las buenas películas son las que logran hacer sentir en poco tiempo sentimientos contradictorios y en ésta se pasa de la crueldad a la esperanza, de la ironía a la ingenuidad y viceversa en muy poco tiempo. Tan pronto te arranca una ingenua sonrisa como después te hace caer de bruces al profundo pozo de la más cruda realidad. Ese sentimiento que muchos hemos tenido. Si hombre sí, ese en el que te depiertas y tu mundo deja de tener sentido, ese en el descubres que todo lo que creías es mentira y sientes un vacío tan grande que no se puede describir. El que ha tenido un desengaño sabe de lo que hablo. Me estoy desviando...

La historia se centra en un tal Tom, treintañero, Peter Pan, soñador, romántico, al que le gustan los Smiths, Joy Division y el pop británico neoromántico en general. ¿Os suena? jajajaja... Pues bien este chico conoce a la dulce Summer y hasta aquí puedo leer...

También oí que la película quiere ser tan "indie" a la fuerza (me río una vez más de las etiquetas) que al final resulta artificial; pero yo os digo que os libréis de los tópicos y la veáis. Lo cierto es que la historia es tan real, tan cercana, implacable y humana a la vez, y te hace sentir tan identificado que hay que ser muy de piedra para que no te diga nada. Y aunque el tema de la generación de treintañeros neuróticos pseudointelectuales ya está muy tratado, la película es una digna heredera de "Reality Bites" o "Antes de que amanezca". La banda sonora es deliciosa: The Smiths, Belle and Sebastian, Pixies...y se hacen guiños muy acertados al cine clásico (Bergmann, El graduado...). La protagonista es la increíble y dulce Zooey Deschanel (ya la visteis en "El incidente") y está realmente estupenda en el papel. Desde "Historias de Filadelfia" o "Eva al desnudo" no había encontrado un retrato tan fidedigno del sexo femenino ¿verdad Nacho?. Me estoy cubriendo de gloria, juro que no soy Galano. Un consejo para Mario: La chica de la peli no existe, es una alucinación nuestra querido hermano (admitirlo es como admitir que el amor es verdad) o sí existe? ¿y tú de que lado estás?

Mirad el trailer que como no podía ser de otro modo está aderezado con el eterno himno "Boys don't cry" de The Cure y recordad: esto no es una historia de amor, simplemente es una historia de chico conoce chica...

Blade Runner

2009-12-03T09:08:00.000-08:00

Ayer tuve el honor de presentar en el cineclub "Blade Runner".

La proyección fue un éxito y el debate posterior una gozada. Como no quiero aburriros con los análisis y cometarios sobre la película más que oídos y que sólo pueden entenderse viendo esta joya del cine; aquí os pongo dos secuencias de la misma que forman ya parte de la historia del séptimo arte (el maravilloso comienzo y el famoso monólogo de roy batty al final de la película-los que no la hayan visto que solo vean el comienzo). Disfrutad.

Blade Runner-comienzo

Blade Runner-lágrimas en la lluvia

Primavera, verano, otoño, invierno

2009-11-30T04:40:00.000-08:00

Demos un giro al lejano oriente y echemos un vistazo al injustamente poco tratado cine de aquellas latitudes. El ciclo de películas orientales que proyectamos el año pasado fue bastante variado en cuanto a temática, directores..., y muy fructuoso en cuanto a valoración y debates posteriores.

En casi todos ellos coincidimos en la general visión oriental (tan distinta por otra parte a la nuestra) de la vida y de los valores éticos. Su, a veces exagerado, carácter metódico, exaltación del honor como bien propio más valorado, su increíble sumisión a las costumbres y su enorme solidaridad ante el bien colectivo que a nosotros nos resulta tan sorprendente, hacen que sus películas (su arte en general) sean extremadamente bellas, cuidadas hasta el mínimo detalle, cruentas algunas veces, descarnadas pero realistas, al igual que visualmente exquisitas. Estamos siempre hablando desde un punto de vista general; Oriente es tan extenso,variado y rico culturalmente, cinematográficamente, éticamente... que pretender hacer lo contrario es imposible... No obstante ese "pesimismo" oriental que emana de un colectivo tan grande que no quiere perder sus gloriosos orígenes y que ahora parece florecer de nuevo siempre creará obras existencialistas que a mí personalmente me fascinan.

Uno de los mejores ejemplos es el surcoreano Kim-ki-Duk. Sus obras son altamente experimentales, de ritmo muy pausado, fuerte contenido visual muchas veces encarnizado, con parsimonioso uso del diálogo y énfasis en elementos criminales o marginales de la sociedad. Ahí se encuentran las magníficas "Hierro 3" ó "Samaritan girl", pero si de verdad queréis emocionaros yo os recomiendo la archipremiada "Primavera, verano, otoño, invierno" con una de las mejores fotografías que he visto. No os arrepentiréis. Como siempre, pinchad el enlace si queréis ver el trailer.

Espartaco

2009-11-26T11:02:00.000-08:00

¿Como es posible qué se diga que "Espartaco" pertenece a la filmografía menor de Kubrick? Primero, Kubrick no tiene una filmografía menor; y segundo, "Espartaco" es el perfecto ejemplo de cómo rodar una buena película de aventuras. El hecho de que Kubrick despreciara esta película solamente se debe a que su ego no pudo soportar el hecho de que la película fue más de Kirk Douglas que suya.

El éxito estaba asegurado desde el principio, Kirk Douglas se encargó de todo. Él fue quien produjo la película y convenció a todas las partes. A Lawrence Olivier, a Charles Laughton, a su amigo Tony Curtis, a Kubrick (los productores asociados querían al más que consagrado Anthony Mann) y al guionista perseguido por el McCartismo Dalton Trumbo. Aquí es donde realmente Kirk Douglas fue valiente ya que se empeñó, en contra de todos, en que Dalton Trumbo firmara el guión (cosa que nunca hacía-de hecho es de los pocos que ha ganado un oscar al mejor guión con seudónimo-).

A pesar de esto la película fue un rotundo de éxito de crítica y público (con semejantes mimbres es normal) y está, yo creo, un escalón por encima de sus homólogas (Ben-Hur, Quo Vadis, La caída del imperio romano, Los diez Mandamientos...) por reparto, dirección, diálogos, mensaje y un guión magnífico. El duelo interpretativo entre Sir Lawrence Olivier y Sir Charles Laughton es sencillamente inolvidable, de lo mejor de la historia del cine.

Aquí he encontrado un minidocumental que explica como Kirk Douglas montó todo el tinglado. Disfrutad de él y por supuesto, si alguien todavía no lo ha hecho, de la película.

Espartaco: 50 películas que deberías ver antes de morir

Yo soy Espartaco

Sed de mal

2009-11-26T10:56:00.000-08:00

Ya hemos proyectado "Sed de mal" de Orson Welles. Pinchad el enlace y ved el principio de la película, el que es para muchos el mejor plano secuencia de la historia del cine.

Otra de Tarantino

2009-11-25T04:33:00.000-08:00

Nunca me gustó mucho Tarantino. Me parece que recurrir en exceso al ese humor tan negro donde predominan las palabras malsonantes, escenas de violencia tan explícita que recuerdan a otras películas de otra factura a las que sí les hace falta dichas maniobras para captar la atención del espectador. Siempre he pensado que el talento de Tarantino no necesitaba tanta "carne" en sus guiones. Ya sé que el usa estos efectos mejor y con otros propósitos que la mayoría de los restantes directores, pero a mí siempre me pareció demasiado descarnado y recurrente.

No obstante, no le vamos a negar a Tarantino su increíble capacidad de conectar con toda clase de públicos a través de guiones sorprendentemente fragmentados y llenos de flashbacks pero que al final concuerdan como un perfecto rompecabezas y que hacen que todas sus películas sean un rotundo éxito. Ahí reconozco que tiene pocos rivales.

Y él mejor que nadie para rodar esas tomas tan largas entre dos o tres personajes a lo sumo creando un atrapante suspense que hace que el espectador esté en tensión desde el principio al final (planos de los personajes muy cercanos y encuadres y diálogos fuera de cámara lo consiguen). Ahí también es de los mejores.Lo que me da coraje de él es que siempre las acaba con tiroteos.

Ayer vi "Malditos bastardos" y me reconcilié un poco con él, Miguelo. Y aunque yo prefiero los directores que buscan sorprender de otras formas usando un humor más... ¿fino?, Tarantino tiene algo que diferencia a los buenos directores: cuando ves una película suya sabes que es suya.

Capra o Welles

2009-11-23T10:54:00.000-08:00

Dicen que Orson Welles odiaba el cine de Frank Capra y conociendo el cinismo y la forma de pensar del niño prodigio no es extraño. Se trata de dos formas totalmente antagónicas de entender la temática del cine.

Nadie como Capra supo retratar el sueño americano, la exaltación de unos valores "exclusivamente estadounidenses" que en una época de entreguerras y de decadencia moral y económica sentaba a millones de espectadores delante del cine para emocionarse como nunca lo habían hecho ofreciendo a la nación la perfecta receta anticrisis. Para ello usó a los grandes héroes mimados de América James Stewart (¡Qué bello es vivir! y Caballero sin espada) y Gary Cooper (Juan Nadie). Según Welles cine fácil, sin sustancia y terriblemente irreal.

Curiosamente de eso tachaban el cine de Welles sus muchos detractores, de contar historias de personajes sin tachadura moral, cínicos y sin alma. Historias llenas de maldad que se introducían en lo más hondo de lo peor del alma humana, utilizando un lenguaje cinematográfico novedoso antes y ahora y sorprendente hasta la extenuación. Todo lo contrario que Capra.

Pues bien, hoy en día "curiosamente" el cine de Capra sigue reponiéndose con la misma fuerza o más que entonces porque habla de temas totalmente atemporales, valores que siempre hará falta recordar. Y no digamos las películas de Orson Welles: Ciudadano Kane se seguirá mostrando en las facultades como la mayor innovación y efectividad en el uso del lenguaje de las cámaras, el encuadre, un guión de estructura tan sorprendente que se adelantó a su época no sé cuantos años y supuso el nacimiento del cine moderno.

¿Quién tenía razón? ¿Dónde está la verdad del cine y sobre todo de la vida?...Sin meternos en consideraciones filosóficas que no nos atañen, hoy quise plantearos este hermoso dilema y deciros que a mí me seguirán emocionando siempre y por igual el final de ¡Qué bello es vivir! (donde por primera y única vez en el cine - según el director argentino Campanella- se consigue rodar la absoluta felicidad en la cara de James Stewart) y el turbador final de Ciudadano Kane o La dama de Shangai. Dos estilos, dos formas de ver el cine y la vida...dos genios.

que tal pussycat

2009-11-22T13:26:00.000-08:00

genial...genial peter sellers...

pinchad el enlace

que tal pussycat

El asunto del día

2009-11-20T12:41:00.000-08:00

¿Qué película ver hoy? Vaya... ahí tengo "El asunto del día". Hace ya muchos años que la vi por primera vez una noche en la 2. Cary Grant está magnífico y Jean Arthur radiante como siempre. Me sorprende una vez más la increíble complicidad que se crea entre ambos y su huésped Ronald Colman. Un trío de cine maravilloso, esas tertulias políticas, filosóficas que diferencian y a la vez unen a dos hombres, dos formas de ver la vida... una mujer... la lealtad a las propias ideas, el amor, el orgullo...!Qué maravilla! ¡Qué forma de hacer cine!... de convertir una historia tan ingenua en algo tan entrañable y auténtico... ¡Qué lección de cine y tanta y tanta enseñanza y moraleja para la vida!...

Moon

2009-11-11T04:44:00.001-08:00

Kalerito me aconsejó ver una película estrenada hace muy poco de ciencia ficción llamada Moon, y como casi siempre no se equivocó. Se trata del estreno en un largometraje del hijo de David Bowie: Duncan Jones.
La película es un alarde de originalidad y buen hacer, ya que no recurre a efectos tremendistas ni a los tópicos en los que desgraciadamente ha caído el género últimamente. Un guión bien estructurado (escrito por Nathan Parker basado en una idea original del mismo Duncan), una fotografía no digital pero atrayente y por supuesto la buena interpretación del siempre magnífico Sam Rockwell consiguen una película muy redonda. Una brisa de aire fresco que nos trae el hijo de Bowie que parece haber heredado el talento de su progenitor. Habrá que seguirle la pista...no os la perdáis!

¿Con qué empezamos?

2009-11-10T10:00:00.000-08:00

Esta pregunta nos la hicimos a la hora de empezar con el tercer año de cineclub. Ya os pondré todos los ciclos y películas que hemos proyectado y analizado estos dos años pero ahora quiero comenzar informándoos de lo que vamos a hacer este año. Hemos decidido que cada uno de los cinco integrantes del club presente una película importante para el/ella, una película que supusiera un cambio en su forma de ver el cine y signifique algo. El resultado es el cartel que os pongo arriba (pinchad en el y lo vereis mejor). Cada día el susodicho ponente presentará su elección (predisfrute), la veremos (disfrute) y después comentaremos y analizaremos (posdisfrute). Nadie está obligado a hablar por supuesto. Si os prometo que si os gusta el cine disfrutareis (eso está garantizado). No tenemos preferencias, solo nos gusta el buen cine y eso no entiende de épocas, nacionalidades, géneros, etc...; aunque por supuesto cada uno tiene sus priporidades. Ah! por cierto, las películas de las proyectaremos de momento en el ies los pedroches de Pozoblanco, porque vivimos en esta zona y porque ya era hora de que aquí hubiera un cineclub. Ahí tenéis las fechas y la hora. ¡Estáis todos invitados!

ciclo "suspiros de Azcona"

2009-11-04T14:39:00.000-08:00

La muerte del gran Rafael Azcona nos dio pie a terminar el curso 2008/2009 con la organización de un ciclo dedicado a su trabajo en el cual se resaltó lo prolífico y variado de su obra en todas las épocas del cine español. El cartel así lo refrenda con títulos de diferentes fechas que forman parte de la historia de nuestro cine.

ciclo "cine de oriente"

2009-11-04T14:34:00.000-08:00

Tras el ciclo "la gran crisis y los monstruos" quisimos dar un toque más actual al cineclub y decidimos hacer un giro hacia el cine asiático, quizás una de las vertientes más interesantes e innovadoras dentro del cine independiente en la actualidad, aunque haciendo referencia también a clásicos anteriores como Kurosawa. Sus referencias y/o influencias en y de el cine de otras latitudes también fue analizado en estas sesiones. Ahí tenéis las películas.

ciclo "La gran crisis y los monstruos"

2009-11-04T14:27:00.000-08:00

En el curso 2008/2009 comenzamos con más fuerza y más miembros y participantes en nuestro club. Para comenzar decidimos plantear el tema de cómo se reflejó la gran crisis americana y mundial de los años veinte y treinta en el cine, pasando por el expresionismo alemán, la dureza de muchas películas norteamericanas de la época y el nacimiento de los monstruos en el cine. Todo ello quedó bien analizado y comprobado en este trabajo y aquí tenéis como siempre el cartel resultante. Pinchad sobre él.

ciclo "Adolescentes"

2009-11-03T11:44:00.000-08:00

El cineclub empezó en el curso 2007/2008 y la mejor idea que se nos ocurrió para empezar, ya que todos trabajamos en el ámbito de la educación y aprovechando que las proyecciones las realizaríamos en el IES Los Pedroches, fue la de proyectar películas relacionadas con la edad de la adolescencia. La gran versatilidad del tema y la gran oferta que sobre él hay en el ámbito cinematográfico nos permitiría hablar de problemas muy diversos y actuales. A dichas proyecciones también acudieron alumnos y el aprendizaje y disfrute fue algo mutuo.

Os adjunto encima el cartel que proyectamos y pinchando sobre él, podréis ver las películas seleccionadas y los respectivos ponentes.

agradecimientos

2009-11-02T07:14:00.000-08:00

Como podéis ver el blog esta todavía en construcción, con el tiempo iré completándolo y mejorándolo hasta que se convierta en un buen portal donde poder disfrutar aprendiendo y compartiendo nuestros gustos cinematográficos y opiniones. Pero hasta entonces me vais a permitir que me ponga un poco nostálgico y eche la vista un momento atrás.
No puedo comenzar este blog sin dar las gracias a mucha gente que de algún modo me inició en mi afición por el cine , o mejor dicho, me hizo recordar aquellas películas que veía en mi infancia con mis padres los sábados y domingos por la tarde en la televisión. Esas películas que ahora sólo ponen alguna madrugada en la 2 de tve o en canal sur en navidad o alguna otra festividad.
Todavía recuerdo cuando mi hermano kale empezó a dejarme cintas vhs mientras me decía "¿no has visto todavía esta peli?. Recuerdo como si fuera ayer cuando me prestó "¡Qué verde era mi valle!". Gracias. Gracias también a mi primo Galán (lo ensalzaré por una vez aunque luego se vuelva en mi contra) por hablarme de John Ford, de David Lean, de lo bonito que es apreciar cuando una película lo dice todo sin utilizar ni una sola palabra, solo con imágenes, encuadres, miradas...ayer volví a recordarlo viendo "Raíces profundas" de George Stevens. ¿Cuántas veces nos hemos parado a hablar de cine una noche de sábado y hemos acabado después de dos o tres horas de interminable diálogo sobre esta o aquella película? ¿Verdad Mario?.
Jamás olvidaré nuestra conversación sentados en un banco de Brooklyn, viendo el anochecer de Manhattan (esa manzana que ha visto fabricar tantos y tantos sueños). ¿Verdad Nacho? Gracias. Gracias hermano por ampliar tanto (en cantidad y calidad mi filmografía).
Y gracias por supuesto a mis compañeros del cineclub con los que he podido compartir gratísimas sesiones de cine y con los que he seguido aprendiendo...gracias Paco por tu extensa sabiduría puesta a nuestro servicio.
Gracias a mi hermano Jaime por su gusto por el cine negro (aunque no haya visto "Blade Runner") o a mi querido moratil por disfrutar del ingenio e ironía de Woody Allen o Groucho Marx. Y seguro que me quedan muchos agradecimientos más: David, Michi, Carmen...
Gracias a todos por que seguramente sin ellos no habría podido disfrutar del monologo final de rutger hauer en Blade runner, del momento en que peter o'toole dice "me gusta el desierto porque está limpio" en Lawrence de Arabia, del mundo onírico, metafórico o casi mágico de "La noche del cazador", de los locos e hilarantes diálogos de las comedias de Billy Wilder, del misterioso mundo creado en "El gabinete del Doctor Caligari" y otras tantas películas del expresionismo alemán, donde se confunden sueño, locura e imaginación; Frit Lang y sus sombras..., del impresionante duelo interpretativo entre Charles Laughton y Lawrence Olivier en Espartaco (como a través de sus interpretaciones puedes apreciar su real competitividad entre dos caracteres y dos formas de entender la vida), del cine sin palabras de John Ford, David Lean, de la mirada de Lauren Bacall en Tener y no Tener, de la presencia melancólica de Humphrey Bogart (ese héroe-antihéroe de mirada triste y principios inalterables) ¿cómo no poder agradecer eso a mi primo?; del humor ingenuo y sin trasparencias (a la vez que genuino) de Howard Hawks con tantas carcajadas y carcajadas...; del compañeriso y lealtad sin palabras entre John Wayne y Dean Martin en Río Bravo, del final poético y desgarrador de Espledor en la hierba, la belleza de Natalie Wood, las curvas de Marilyn, la magnificiencia de Katherine Hepburn, la cara de felicidad de James Stewart al final de "Qué bello es vivir", de la partida de ajedrez de uno mismo con la muerte en El séptimo sello o de las divagaciones sobre la vida, la muerte, el amor, la fama... de mi apreciados visconti o fellinni (mirar la fontana di trevi y creer ver a Anita Ekberg llamandonos como lo hacía con Marcelo -¿os acordáis galán y mario?)...
Gracias a todos por este maravilloso regalo!!!!!!!!!!!!!!!

Cineclub en los Pedroches

2009-10-30T14:42:00.000-07:00

¿Hay alguien ahí?
¿Qué tal? Soy poncho y he sido encargado de presentar y arrancar el blog "salón de entretiempo", cuya función es la de dar a conocer nuestro modesto y bienintencionado cineclub formado por mí, Paco, David, Carmen y Nacho y muchos compañeros más que nos han acompañado durante dos años y se disponen a seguirnos también en nuestra tercera andadura.
Más adelante os hablaré detenidamente de cada uno de ellos y os explicaré en que consiste nuestro pequeño (de momento) club, a pesar de que ya muchos habrán adivinado que se trata de una pequeña casualidad que reunió a unos compañeros de trabajo, y éstos deciden que sus tertulias cinematográficas de recreo y de descanso entre clase y clase deberían materializarse en un cineclub donde reunirnos para disfrutar de las maravillas de nuestra común afición. Nos sentimos orgullosos de todas y cada una de las personas que han participado con nosotros en estos dos años.